В Виктория-холле прозвучат орган и Рахманинов |L’orgue et Rakhmaninov feront vibrer Victoria-Hall

Наши постоянные читатели знают, что главный музыкальный коллектив франкоязычной Швейцарии готовится отметить свой 100-летний юбилей. Логично поэтому, что руководство все активнее включает в программы концертов произведения, неразрывно связанные с историей ОРШ, вошедшие в его ДНК, так сказать, и принесшие ему международное признание.

Программа концерта 15 ноября интригует, другого слова не подберем. Нам представится редкая возможность послушать орган, впервые прозвучавший в Виктория-холле 28 ноября 1894 года. В тот вечер силами оркестра Женевского Большого театра и органиста собора св. Петра была исполнена специально по этому поводу написанная французским композитором Шарлем-Марией Видором Третья симфония соль минор для органа и оркестра оп. 69. Имя этого автора известно сейчас разве что специалистам, зато имя Ференца Листа прочно вошло в список мировых гениев, и послушать его Прелюдию и фугу на тему BACH, сочиненные в 1855 году, в исполнении Оркестра Романдской Швейцарии под руководством Джонатана Нотта и профессора Женевской Высшей школы музыки Винсента Тевена – редкая удача. (Напомним, Ференц Лист, именем которого названа одна из улиц в Старом городе, сбежал в Женеву после скандала, вызванного в парижском обществе его связью с графиней Мари д’Aгу, и активно участвовал в становлении фортепианного факультета городской консерватории.)

Поясним, почему посвящение приведено латиницей. Дело в том, что B-A-C-H — это музыкальный мотив, который представляет собой последовательность звуков b, a, c и h (си бемоль, ла, до, си бекар), складывающихся в фамилию семьи Бахов. Он стал известен благодаря Искусству фуги — одному из величайших произведений И. С. Баха, в котором был впервые использован, и в дальнейшем пользовался большой популярностью у композиторов последующих столетий, от Шумана до Шнитке.

Совсем «из другой оперы» второе включенное в программу концерта произведение – Вариации для оркестра оп. 31 Арнольда Шенберга, написанные в 1926-1928 годах. Шенберг – один из самых противоречивых композиторов: известный как «отец» додекафонии, техники, в которой гармония тотально «поверена алгеброй» и по определению исключающей эмоции, он – ярчайший представитель экспрессионизма, направления, исповедующего культ эмоций, подчас —душераздирающих.

Из справочной литературы легко узнать, что Арнольд Франц Вальтер Шёнберг родился в Вене 13 сентября 1874 года в еврейской семье владельца небольшого магазина и пианистки. Вскоре отец умер, так ничего и не накопив своей торговлей. Арнольд самостоятельно осваивал теорию музыки, учился играть на скрипке и виолончели, пытался сочинять маленькие струнные дуэты, трио и квартеты для музицирования с друзьями. Услышав, что Моцарт сочинял за столом, мальчик перестал подходить к фортепиано. В результате он так толком и не научился играть на этом инструменте. После смерти отца семья бедствовала. Окончив 6 классов реального училища, Шёнберг вынужден поступить служащим в банк, продолжая музыкальное самообразование. Вскоре он познакомился с композитором и дирижёром Александром Цемлинским, который приходился ему дальним родственником. Цемлинский был на два года старше Шёнберга, но успел получить хорошее музыкальное образование. Он стал не только другом, но и первым и единственным учителем, посвятившим Арнольда в тайны контрапункта. Цемлинский увлёк Шёнберга музыкой Вагнера и ввёл его в круг молодых музыкантов.

Благодаря Цемлинскому, устроившему его дирижёром самодеятельного рабочего хора, Шёнберг бросил службу в банке. Пробавлялся он и случайными заработками: был так называемым «негром» (оркестровал оперетты популярных композиторов), дирижировал ресторанными оркестрами, сочинял на заказ легкую музыку. Эта скучная ремесленная работа заменила ему учебный курс консерватории, развивая необходимые любому композитору крепкие технические навыки.

В сезон 1898-1899 годов в Вене были исполнены юношеский квартет и первые песни Шёнберга. Квартет имел успех, но песни вызвали недоумение, почти скандал. Первой подлинной творческой удачей стал струнный секстет «Просветлённая ночь», написанный осенью 1899 года, но тогда он ещё не был исполнен, партитура пока что пылилась в столе. В 1899–1901 Шёнберг работал над монументальной кантатой «Песни Гурре» (в ней использованы 4 хора!), но работа над инструментовкой растянулась на неопределённое время и была завершена только в 1911 году.

Именно благодаря своим ранним сочинениям Шенберг приобрел популярность и авторитет мастера. В 1925 году самоучка, окончивший только 6 классов реального училища, был приглашён в Прусскую Академию музыки в Берлине как профессор композиции – случай исключительный!

Однако особое место в истории мировой музыки Шенберг занял благодаря созданию двенадцатитоновой (додекафонной) системы композиции. В основе инструментальных сочинений Шёнберга 1920-40-х гг., к которым относятся и Вариации для оркестра (1926-1928), лежат серии из 12 неповторяющихся звуков, взятые в четырех основных вариантах (техника, восходящая к старинному полифоническому варьированию). Обратите внимание: в мощном Finale Шонберг тоже цитирует ноты B-A-C-H, как дань уважения композитору, которого он считал непревзойденным мастером контрапункта.

Первое исполнение сочинения в 1929 году публика приняла прохладно, несмотря на то, что за пультом Берлинского филармонического оркестра стоял Вильгельм Фюртванглер, которого даже Юрий Темирканов считает величайшим дирижером. С тех пор и до 1950-х услышать его можно было редко: в 1933 году  нацисты изгнали Шёнберга из Германии. За еврейское происхождение его объявили представителем «большевистского искусства», а заодно и дегенеративного. К счастью, время все расставило на свои места.

Во втором отделении концерта прозвучит одно из лучших и наиболее популярных сочинений Сергея Рахманинова - «Рапсодия на тему Паганини», оп. 43.  Она была написана всего за несколько недель в 1934 году, то есть в швейцарский период Рахманинова, прошедший в любимой им вилле Сенар в местечке Хертенштейн, на берегу озера Четырех кантонов.  По сути – пятый фортепианный концерт, она впервые прозвучала в ноябре 1934 года в Балтиморе в исполнении оркестра под управлением Леопольда Стоковского. В 1939 году этой партитурой, с разрешения композитора, воспользовался великий хореограф Михаил Фокин при создании в лондонском Ковент-Гардене балета о жизни Николо Паганини.

 Рапсодия – это цикл из 24 вариаций на тему, использованную самим Паганини для его собственных вариаций в последнем из Каприсов для скрипки соло. Надо сказать, что эта тема привлекала и других композиторов, в частности, Листа, Брамса и Лютославского, но Рахманинову пришла идея связать эту мелодию с гораздо более древней – Dies irae. Кстати, Сергей Васильевич уже использовал ее в более ранних своих произведениях – Первой симфонии, симфонической поэме «Остров мертвых», в Третьей симфонии и в последнем своем творении, Симфонических танцах. Именно Рапсодия на тему Паганини прозвучала в исполнении автора и симфонического оркестра под управлением Эрнеста Ансерме в последнем европейском концерте Рахманинова, незадолго до его отъезда в США.  Концерт этот состоялся 11 августа 1939 года  в Люцерне, 70-летие этого исторического события Наша Газета.ch своевременно отметила отдельной статьей.

За Steinway Оркестра Романдской Швейцарии сядет Сергей Бабаян, краткую биографию которого мы недавно публиковали в связи с его выступлением на фестивале в Вербье прошлым летом.

И, наконец, завершит программу предстоящего феерического концерта – вот уж, правда, the last but not the least – «Болеро» Мориса Равеля, написанное в 1928 году и впервые исполненное 22 ноября того же года в парижской «Гранд-Опера», в ходе вечера балерины Иды Рубинштейн, его заказавшем. Оркестром дирижировал Вальтер Страрам: композитор хотел доверить первое исполнение своему другу и основателю Оркестра Романдской Швейцарии Эрнесту Ансерме, но французские профсоюзы выступили против.

Публика «Болеро» освистала, на что автор отреагировал: «Значит, поняла!» Как отмечает музыковед Александр Майкапар, «Болеро» приобрело особую популярность из-за «гипнотического воздействия неизменной множество раз повторяющейся ритмической фигуры, на фоне которой две темы также проводятся много раз, демонстрируя необычайный рост эмоционального напряжения и вводя в звучание всё новые и новые инструменты». Лучше не сформулировать!

Длительность звучания «Болеро» составляет около 15 минут, хотя при исполнении в постоянном темпе, без ускорения, как этого требовал композитор, может достигать и 18 минут. Так что без промедления покупайте билеты (легче всего сделать это через сайт оркестра) и – засекайте время!